A Ascensão e a Queda: Titãs

Titãs... ainda do Iê Iê?

                        A melhor banda de todos os tempos da última semana

Olá meus caros, tudo em riba? Por aqui, tudo bem também. Enfim, hoje começo uma nova coluna. A ideia para essa coluna surgiu de um amigo, Vitor Caricati. Sua sugestão, a principio, foi traçar a trajetória da banda Angra, importante conjunto do metal “brasuca”, porém, que já não anda bem das pernas. Bom, não falarei deles nesse momento (mas fica tranquilo Vitor, vou falar deles e de um monte de gente), contudo outra banda será exposta aqui. Falo dos Titãs. Uma das bandas nacionais que mais gosto, mas que infelizmente não passam de uma sombra do que já foram. Bom, sem mais delongas, decurtas ou demédias (nossa, desculpem a piada infame, que coisa horrível), vamos ao assunto em questão: Titãs.

Formada em São Paulo no ano de 1982, a banda contava com vários integrantes, sim, vários.  Arnaldo Antunes, Branco Mello, Marcelo Fromer, Nando Reis, Paulo Miklos, Sérgio Britto, Tony Belloto, Ciro Pessoa e André Jung. Nove integrantes, seis deles... Vocalistas. Era gente, e egos, pra caramba. O nome original era Titãs do Iê Iê, nome que a meu ver é totalmente ridículo. Desculpem, mas é horrível. Ainda bem que a WEA (gravadora deles na época) os obrigou a tirar esse “Iê Iê” tosco. Lançaram então o disco Titãs, sem Ciro Pessoa, que sabe-se lá porque raios ele saiu. O disco era chato. Bom, se você gosta de new-wave... Bandas estilo B52’s e outras “besteirinhas” oitentistas, se sinta em casa. Agora, alguns clássicos saíram desse disco... “Sonífera Ilha” (que foi grande sucesso), e uma das poucas músicas memoráveis do disco, “Marvin”, que seria um grande sucesso em uma versão lançada alguns anos depois.  Essa versão em particular é um reggaezinho bem simples. Outro clássico da banda, “Go Back” é desse disco, porém em uma versão bem fraca. A verdade é que nesse álbum a banda parecia perdida. Misturava new-wave com rock bobo e reggae (não, não era um reggae “de branco” bom como o The Police). Ficava algo fraco e sem naturalidade. Em 1984 chutaram o André Jung da banda, que muito “xatiadu” foi para o Ira!, sendo muito bem recebido lá. Então, estavam sem baterista. Fácil, “vamos deixar o Paulo Ricardo puto com a gente”. Charles Gavin estava ensaiando com o RPM na época e foi chamado para integrar os Titãs. Ele aceitou e o plano de “emputecer” o Paulo Ricardo foi um sucesso! Em 1985 saiu o disco “Televisão”. A idéia era que cada faixa fosse um canal de televisão. O que não deu muito certo. As composições eram um pouco melhores, mais naturais, porém ainda faltava algo. A música “Pra dizer adeus” não foi sucesso nessa versão reggae (Nando Reis adorava Reggae na época, hein?), mas viraria hit no acústico, anos depois. “Não vou me adaptar” e “Insensível” são alguns destaques, virariam clássicos. Os destaques, a meu ver, ficam para “Massacre”, que é a primeira canção mais “punk” ou “metal” do Titãs, e “Pavimentação”, uma música mais “experimental”. Na verdade a versão “boa” é do cd ao vivo “Go Back”, de 1988, mas isso eu vou abordar logo mais.   

Enfim, os Titãs estavam fazendo relativo sucesso, modesto, nada muito grandioso, mas era um começo. Eles iam programa do Chacrinha (jovens, ele era um gordo maluco que apresentava um programa de auditório, tipo o Faustão, só que melhor, só pra quem não conhece e não é dá época...eu mesmo, mal me lembro dele) e eram vistos como bons moços malucos, mais ou menos os “Beatles” do Brasil, só que não. Na verdade eles eram os Rolling Stones (salvo as proporções) brasucas, os “bad boys”. Tony Belloto (Marido da Mallu Mader e guitarrista) e Arnaldo Antunes (maluco que deveria estar num hospício) foram presos por porte (Tony) e porte e tráfico (Arnaldo). Vish... Acabou a inocência. As rádios e a televisão começaram a boicotar os Titãs. Mas isso foi até bom. Em 1986 foi lançado o disco que faria com que eles mudassem seu estigma e se tornassem roqueiros de verdade.

        

Emblemático, pesado, sujo, violento, irreverente e desrespeitoso. Todos são elogios para esse que, por muitos, é considero o melhor disco da banda e talvez de todo o rock brasileiro. “Cabeça Dinossauro”. A Capa já mostra uma imagem que fica na mente. Um desenho de Leonardo DaVinci, “A expressão de um homem urrando”. 

Capa do mitológico Cabeça Dinossauro

O conteúdo? Agressivo. A pegada instrumental Punk se misturava ao funk e ao rock clássico. Das 13 canções, pelo menos 8 se tornaram clássicos. “Polícia”, “Igreja”, “Estado Violência” e “Família” atacavam as principais instituições da sociedade. Outras canções como “Bichos Escrotos”, “Homem Primata”, “Porrada”, “AA UU” e “Cabeça Dinossauro”, mostravam que os Titãs não eram mais uma banda que estava para brincadeira. Agora a coisa era séria e eles queriam mesmo era causar. Naquele momento as rádios e redes de televisão ainda boicotavam o grupo. Os primeiros shows da turnê do “Cabeça” foram modestos, pouquíssimas pessoas. Contudo o marketing espontâneo (ora, prisão, boicote, vish... rende o que falar) começou a funcionar e em pouco tempo o grupo lotava shows.  

Ah, os anos 80.

Em 1987 a banda Titãs era a maior do Brasil, não tinha pra ninguém. E nesse ano sai um disco bem experimental, que eu particularmente considero tão bom quanto o antecessor, “Jesus não tem dentes no país dos banguelas”. Ao invés de lado A e B, lado J e T. É, para que não se ouvisse apenas as canções “de sucesso”.  O Primeiro lado do disco é mais “experimental”, com bastante instrumentação eletrônica. Destaque para as faixas “Comida”, “Corações e Mentes” e “Diversão”. O Segundo lado do Disco é mais voltado ao peso! “Jesus Não tem Dentes”, “Armas Para Lutar”, “Desordem”, “Lugar Nenhum” e “Nome aos bois” são os grandes destaques. Depois de dois grandes discos o grupo lançou um ao vivo em 1988. “Go Back” foi gravado em Montreux na Suiça, no Festival de Jazz, na noite do rock. E que disco. Uma excelente seleção de faixas. Além dos grandes clássicos dos dois últimos discos, roupagem para os, que se tornariam nesse momento, sucessos “Marvin”, “Go Back”, “Pavimentação” e  “Não vou me adaptar”. Essa versão de “Pavimentação” inclusive é uma das músicas que mais curto dos Titãs. Sensacional, vou até ver se acho algum vídeo para deixar pra vocês no final do post. Enfim. O sucesso ia de vento em poupa, ah maravilha, que beleza. 

Em 1989 sai o disco “Õ Blésq Blom”. O que raios quer dizer “Õ Blésq Blom”? Sei lá, segundo um blog que eu achei por aí, esse aqui: http://blesqbom.blogspot.com.br/2010/02/por-que-blesqbom.html (ae, to te divulgando, não me processe! Há há há há... ) é algo do tipo:  “Os primeiros homens que andaram sobre a terra". Enfim. Esse disco mostra um Titãs ainda mais experimental, misturando sonoridades e influências. Não é o tipo de coisa que mais me atrai em uma banda, ou disco, contudo, acho muito válido e interessante. Conta pontos no fator “relevância artística”. Só não pode ficar ruim que nem o “African Child” do Aldous Snow... Há há, eu sei. Ele não existe, é só um personagem de filme, mas quem conhece me entende. Enfim. Ficção por ficção melhor ficar com Spinal Tap (Vai um bônus no fim do post, em algum outro momento post algo sobre eles, imperdível!). Mas e aí? E esse disco? Sim, tem canções memoráveis. Os repentistas Mauro e Quitéria (sei lá quem são) fazem participação, inclusive tendo a introdução do disco com seus respectivos nomes. “Miséria”, “Deus e o Diabo”, “O Pulso”, “32 Dentes” e “Flores”. Esses são os grandes destaques do disco. Não que as outras canções sejam ruins, muito pelo contrário, mas essas, em especial, são melhores. Mas e aí? E depois disso? Depois veio o escatológico, sujo, sem vergonha e bruto “Tudo ao mesmo tempo agora” em 1991. Minha opinião a cerca desse disco é meio estranha (assim como esse disco). Eu gosto muito desse disco, mas ele é bem estranho mesmo. Com certeza é o disco mais “vulgar” do Titãs. Algumas letras como “Isso para mim é perfume” deixariam os Raimundos, ou até mesmo alguns grupos acostumados a falar palavrões, com vergonha.   Olha só “Amor, eu te ver cagar”. Segundo Nando Reis, autor da canção, é sobre a intimidade de um casal. Lindo! “Saia de mim” é a mais famosa do disco, talvez seu único “sucesso”. Pra dizer a verdade esse disco marcou uma fase meio esquecida dos Titãs. Aí, em 1993 eles convidaram o produtor Jack Endino, que produziu discos de grunge de bandas como Mudhoney e Soundgarden, além do “Bleach” do Nirvana. Esse disco, que é um dos meus favoritos, também marcou a saída do Arnaldo Antunes (Vish, foi tarde, vai embora cara xarope, vai cantar com a Marisa Monte e com o Carlinhos Brown, credo)... Talvez por isso goste tanto do disco. HáHá. Não, “Titanomaquia” foi o último grande disco de rock pesado do Titãs.  Ainda teríamos o álbum “Domingo” de 1995. Que é um excelente disco, contudo... CONTUDO... Não tem aquela pegada visceral da época 1986 – 1994. Os grandes destaques dessa fase final do período de ouro dos Titãs são: “Será que é isso que eu necessito”, “Hereditário”, “A verdadeira Marry Poppins”, “Disneylândia”, “Nem Sempre se pode ser Deus”, “Dissertação do Papa sobre crime seguida de orgia”, “Domingo”, “Taxidermia”, “Eu Não Aguento”, “Eu Não vou dizer nada”, de ambos os discos citados.

               Depois disso, o que aconteceu? Eles gravaram um acústico Mtv. Há Há. Pior de tudo, participação da Marisa Monte?Mataram as flores de plástico! Quem disse que elas não morrem? Hein, Branco? Foi você BRANCO MELLO? Ah cara, vai cagar, ops, desculpem o palavreado chulo...vai defecar. Olha, depois disso o que o Titãs fez de bom? Volume dois? Poxa vida, viraram 7 senhores, 7 Roberto Carlos... Afinal “É Preciso Saber viver”. Ou não? Aí eles me lançam em 1999 o disco “As Dez Mais”, que me dá vontade de vomitar 10 vezes. Arruinaram “Aluga-se” do Raul Seixas, deixando ela festiva demais, com muita cara de festinha de adolescente idiota... “Pelados em Santos”, a já manjada música dos mamonas assassinas, que já não era, artisticamente falando, “grandes merda”, mas ao menos era engraçada e relevante, de um ponto de vista humorístico e até certo ponto roqueiro, virou uma babaquice acústica de mau gosto. “Cíumes” do Ultraje A Rigor foi um pouco encoxada também. As que se salvaram? “Circo de Feras” do Xutos e Pontapés (banda lusitana que os Titãs andam de mãos dadas) e “Fuga Nº2” dos Mutantes, essas duas se salvaram. Enfim... Quando achávamos que estava tudo perdido, eles lançam o disco “A melhor banda de todos os tempos da última semana”. E conseguiram resgatar, até certo ponto, aquilo que eles haviam perdido em 1997, no fatídico disco acústico. Não que seja um disco maravilhoso, mas é aceitável. Lógico, não há mais aquela fúria maravilhosa do “Tudo ao mesmo tempo”, “Cabeça”, “Titanomaquia” ou “Jesus”, nem mesmo o experimentalismo do “Blesq Blom”, mas ao menos não foi mais um “Volume II” ou “As 10 mais”, vish. 

Depois dessa fase vieram as músicas das novelas. Ah, essas baladas como “Epitáfio”, “Enquanto houver Sol” e “Isso” (Essa “isso”, que estranho que ficou, é uma que realmente gosto, acho boa... “Enquanto houver sol”, não).  O próximo disco foi um soco no meu rim... “Como vão vocês” (que tem essa “Enquanto houver sol”) é chato, chato e mais chato. Mas lógico, é minha opinião, quem sou eu pra ficar querendo ter a verdade? He He He... Mas é a verdade, é muito chato. E o último “Sacos Plásticos” de 2009 segue na mesma linha. Chato, chato, chato. Tudo soa artificial. Não me empolgo de falar de uma faixa sequer. 

Titãs em 2013... só sobraram 4? Vish...

Cara... Vocês podem perceber, quando estava escrevendo sobre os anos oitenta e começo dos anos noventa, escrevi pra caramba... Foi só chegar nessa parte que não rendeu mais. É que não dá vontade de escrever sobre algo que virou uma caricatura de si mesmo. Titãs, infelizmente vocês já foram melhores. Mas uma coisa eu não posso negar. Em 2010 (ou 2011, agora não me lembro) vi um show de vocês aqui em Bauru-SP (Tecnicamente estou em Piratininga agora, mas ta valendo), junto com os Paralamas... E vocês foram demais. O show está ótimo. Só toquem mais músicas do Titanomaquia , Do Jesus e do Tudo ao mesmo tempo, POR FAVOR CARALHAMBA! Nossa, caralhamba... hhahahahah Um abraço e tchau! Fiquem com alguns vídeos!     

 Pavimentação - Ao vivo em Montreux

Nome Aos Bois - Sesc Pompeia

  Cabeça Dinossauro 

                                                                 Marvin

VÍDEO BÔNUS:
 
SPINAL TAP - Como eu tinha prometido, alguns trechos dessa verdadeira-falsa banda de rock.

Limbo Musical: Thin Lizzy

LIMBO MUSICAL: THIN LIZZY - A banda do filho do brasileiro, que na verdade não era brasileiro...

                Olá meus amigos. Como vão? Estou de volta com meu blog. Meses sem nenhuma postagem, que absurdo, que vergonha. Mas agora voltei, e com algumas novidades. Pra começar, uma coisa que não é tão nova assim, Limbo Musical... E outra coisa... Essa sim, mais nova e também sugestão da minha esposa, comentar sobre curiosidades... Curiosidades curiosas para curiosos... Exato. Bom, vamos voltar à coluna Limbo Musical. Nesse retorno irei falar de uma banda que é altamente influente, tem bastante renome e quem conhece, geralmente, gosta. Dificilmente ouvi comentários ruins sobre ela. Falo do Thin Lizzy.  A maior banda de rock da Irlanda (U2?agahhahahah! Por favor, não me venham com churumelas!).
                A banda foi formanda em 1969 e em sua primeira formação contava com Phyl Lynott, esse é o tal filho de brasileiro, que não é brasileiro (Mas na verdade da Guiana britânica, depois explico melhor) que me referi no título, como baixista e vocal da banda.  Eric Bell, Eric Wrixon, Brian Downey eram respectivamente guitarrista, tecladista e baterista.  Em 1970 lançaram um single “The Farmer/I Need you” e no ano seguinte gravaram seu primeiro disco, auto-intitulado.  No ano de 1972 fizeram uma lucrativa turnê com o Slade e a Suzi Quatro, e sua gravadora lançou o single “Whiskey in the Jar”, uma versão de uma música folclórica irlandesa muito popular (é, aquela mesma música gravada pelo metallica). Phil Lynott, assim como o resto da banda, achou que aquela canção não representava o verdadeiro estilo, contudo foi um grande sucesso na Irlanda e principalmente fora do país, fazendo o Thin Lizzy ficar conhecido. Os discos e os anos seguintes foram bons e ruins. Bons pela qualidade das gravações, alguns discos clássicos como “Vagabonds of the Western world”  de 1973 e “Nightlife” de 1974, ficam na memória como pérolas esquecidas. Contudo a banda sofreu diversas mudanças. Eric Bell saiu, a banda não conseguia mais emplacar um hit, fazendo perder popularidade fora da Irlanda...  Mas isso mudou a partir de 1975 com o disco “Fighting” e posteriormente, talvez o mais conhecido disco deles, “Jailbreak” de 1976. No mesmo ano saiu “Johnny The Fox” e em 1977 “Bad Reputation”. Esses quatro albuns são considerados os maiores clássicos do grupo, sendo também considerada a fase “clássica” da banda.  Em 1978 vemos o lançamento do disco ao vivo “Live and Dangerous”, considerado por muitos um dos melhores (talvez o melhor?) disco ao vivo de todos os tempos, ao menos até então.  Há controvérsias, alguns dizem ser repleto de overdubs (regravações ou correções feitas em estúdio) e que as únicas partes, realmente “ao vivo” são a bateria e a platéia... Contudo, é um excelente disco que representa muito bem a banda até então.  Entretanto começam as grandes discordias, o relacionamento de Phil Lynott e do guitarrista Brian Robertson chega a níveis insuportáveis e o Robertson abandona a banda. Gary Moore, que já havia tocado com o Thin Lizzy em meados da década de 70, volta ao grupo, grava o disco “Black Rose – A Rock Legend”, faz alguns shows e sai novamente em 1979, procurando seguir sua bem sucedida carreira solo.

A partir desse momento a banda começou a capengar cada vez mais. “Chinatown” de 1980 e “Renegade” de 1981, não foram grandes sucessos, aliás, eles não estavam mais conseguindo chegar no Top 100 das paradas dos E.U.A. Sua dedicação começou a voltar-se mais para os mercados da Europa e do Japão, que naquele período estavam mais receptíveis ao tipo de sonoridade do Thin Lizzy. Phil Lynott também estava muito dedicado à sua carreira solo, lançando seu segundo disco em 1982. Não havia muita esperança para o Thin Lizzy, até que em 1983 Phil chamou John Sykes, ex-guitarrista da banda britânica de heavy metal, Tygers of Pan Tang, para tocar no Thin Lizzy. E aí sim a banda teve um rejuvenescimento. A influência de Sykes trouxe peso e nova vitalidade à banda, se aproximando muito do heavy metal.  Parecia a volta triunfal da banda, contudo eles anunciam seu final no mesmo ano, gravando inclusive um disco de despedida com vários membros antigos. Aí o que aconteceu depois?  Lynott começou a fazer alguns projetos, como o Grand Slam, junto com o ex-baterista do Thin Lizzy, Brian Downey. Fez turnê junto com Gary Moore em 1985, mesmo já estando doente. Doente? Doente de quê? Das “dorgas”. Sim, ele estava inchado e se drogando feito um maluco. O que é uma lástima, visto que Phil Lynott era um poço de talento e criatividade, o cara jogou tudo fora e morreu de overdose em 1986.

Em 1996, dez anos após a morte de Phil Lynott, John Sykes retorna com o Thin Lizzy e seus principais músicos. Não gravam nenhum disco, apenas fazem turnês tocando os clássicos do grupo e homenageando Lynott. Muitos criticaram esse retorno, devido à ausência de Phil. Mas isso é besteira. A homenagem dura até hoje. Sykes saiu em 2010 Sykes saiu e Vivian Campbell, ex-guitarrista do Dio, Whitesnake e  Def Leppard, entrou em seu lugar.
                 O Grupo continua fazendo essa bela homenagem e mesmo que sem Lynott, e sem gravar material novo, é muito legal ver as antigas canções em nova roupagem.   Agora fiquem com algumas curiosidades sobre o grupo:

- Em 1978 Thin Lizzy e Sex Pistols se juntaram e lançaram um disco chamado “The Greedies”  (Os Gananciosos) . Misturando as músicas das duas bandas (e mais dos grupos The Damned, Heavy Metal Kids e Boomtown rats, que possuíam integrantes no grupo também) o The Greedies existiu apenas nos intervalos de turnês e gravações de discos das bandas, durando pouco tempo. Gravaram uma canção natalina em 1979, que foi lançada em cd apenas em 2001 em uma coletânea do Thin Lizzy.

- Muitos acham que o pai de Phil Lynott era brasileiro (Até eu achava isso, risos amarelados). Mentira. Ele era da Guiana Britânica, sua mãe era Irlandesa.

-Phil Lynott parece o Tiririca... Sério, é triste....

-Apesar de ser considerado Irlandês, Phil Lynott nasceu na Inglaterra.

-Phil Lynott tem uma estatua  na rua Graffston em Dublin.

-Phil Lynott escreveu dois livros de poesia na década de 70. Foram compilados nos anos 90 sob o nome de “Songs from while i’m away”.

-Phil teve dois irmãos postos para adoção. Sua mãe só revelou isso para ele muito tarde.

-Antes do Thin Lizzy, Phil Lynott e Gary Moore formaram uma banda chamada Skid Row (Não, não é aquela do Sebastian Bach não) no fim dos anos 60.

 E para fechar, alguns clássicos do Thin Lizzy pra galera curtir ou conhecer:

Whiskey in the Jar

The Boys Are Back in Town

Jailbreak

Bad Reputation

Thunder and Lightinning

Don't Believe a Word

Rogério Skylab

Eu to sempre dopado

Rogério Skylab em uma de suas inúmeras aparições no programa do Jô.

Eu já conheço a algum tempo a figura expressiva, escalafobética e escatológica desse senhor da música popular brasileira, rótulo que sempre achei muito vago e pouco usual, mas paradoxalmente tão aplicável para esse ícone da música alternativa, sendo que de popular ele não tem muito. Porém apenas essa semana decidi fazer um breve texto sobre esse cantor, compositor e poeta brasileiro.

Ex-funcionário do Banco do Brasil, por mais de vinte e sete anos, ele é carioca e começou sua carreira artística, de forma independente, no início dos anos 90. Seu primeiro trabalho, Fora da Grei, difere um pouco da série de discos posteriores, enumerados por algarismos romanos. Vale ressaltar que seu estilo musical é indefinido. Ele gosta de dizer que é rock de garagem, ao menos vi ele se definir assim em alguma de suas inúmeras aparições no programa do Jô Soares.

Mas suas influências voam por diversos estilos. Do rock garagem dos anos 60 e 70, ao hard rock e heavy metal, passando pelo punk oitentista, pela mpb, bossa nova, chorinho, seresta, bolero, música caipira, samba/samba-rock e diversos outros gêneros. Skylab se aprofunda em tudo, mesmo não sendo especialista em nada. Um paradoxo ambulante.

Suas letras são um espetáculo a parte. Disfarçadas de escatologias baratas e repugnantes, humor negro ácido e sátiras de personalidades de renome público, se esconde um verdadeiro poeta crítico e inteligente. Poucos conseguem enxergar a verdade por trás da máscara. Diferente das mensagens metafóricas das canções da MPB dos anos 60 e 70, nas quais os artistas queriam apenas disfarcar o conteúdo crítico, para que a censura militar não os importunasse, Skylab aparenta querer brincar com o ouvinte. Enquanto artistas como Chico Buarque, Gilberto Gil, Caetano Veloso, a dita "nata" da MPB (que para mim não tem nada de nata, são apenas uns velhos que lançaram duas ou três boas canções e viveram disso pelo resto de suas carreiras, se apoiando em músicas de qualidade, lírica ao menos, duvidosa e questionável), tentavam ocultar o carater político de suas canções, Skylab faz questão de ocultar o carater critico político-social, mas de forma provocativa e ácida, tão ácida que faz derreter o cérebro de quem ouve. Pessoas com menos capacidade encefálica, ou que estejam tão atrelados a cultura pop, podem se confundir, achando que ele é apenas um maluco. Mas meus caros. Em um mundo onde criacinhas de cinco anos "descem até o chão" e orgias de proporções homéricas, que deixariam Calígula envergonhado, chamadas "micaretas", "Baile funk" ou qualquer que seja o nome, são consideradas normais, Skylab é um lúcido em meio a um mar de incautos, neófitos e abobalhados que esperam desesperadamente a vinda do juízo final, para expurgar todos seus pecados.

Quanto a questão, da comparação com artístas da mpb, considero sim que foram períodos diferentes. Não discarto, a breve, porém importante contribuição que esses nomes deram para a cultural musical brasileira. Contudo, são demasiadamente endeusados, sendo que conforme o passar dos anos sua música perdeu o viés político-social e começou a se tornar tão padrão/popular quanto qualquer Daniela Mercury ou Cláudia Leite, dependendo de sua geração absurdamente inerte.

Sendo assim, Skylab, o poeta dos poetas marginais, acaba por ser absorvido por uma amálgama terrível de dilacerações culturais mediocres que vemos na televisão. Ele e tantos outros artístas, independentes principalmente, que mereciam, por sua qualidade, criatividade ou experimentalismo, estarem encabeçando, não somente a vanguarda, mas também a frente popular da música e das artes. Infelizmente, se isso acontecessece deixaria de ser vanguarda.

Um abraço, e fiquem com a discografia e dicas de músicas do Skylab:

• 1992 - Fora da Grei
• 2012 - Abismo e Carnaval

Série Skylab

• 1999 - Skylab
• 2000 - Skylab II - Ao Vivo
• 2002 - Skylab III
• 2003 - Skylab IV
• 2005 - Skylab V
• 2006 - Skylab VI
• 2007 - Skylab VII
• 2008 - Skylab VIII
• 2009 - Skylab IX - Ao Vivo
• 2011 - Skylab X

Série Skygirls

• 2009 - Skygirls

com Orquestra Zé Felipe

• 2009 - Rogério Skylab & Orquestra Zé Felipe

Coletâneas

• 2002 - Tributo ao Inédito (Compilação com 10 bandas independentes cariocas)
• 2008 - Tributo ao Álbum Branco (Compilação de diversos músicos brasileiros prestando uma homenagem em forma de covers ao álbum The Beatles, o "Album Branco" dos Beatles)
• 2010 - The Best of Rogério Skylab (Compilação de diversas músicas que estão entre o "Skylab" até o "Skylab VIII")
  
  
  
  SUGESTÕES DE MÚSICAS:
  
  EU TO SEMPRE DOPADO
  
  MOTO_SERRA
  
  
  MATADOR DE PASSARINHO
  
  CARROCINHA DE CACHORRO QUENTE
  HINO NACIONAL DO SKYLAB
  VOCÊ VAI CONTINUAR FAZENDO MÙSICA?
  
  
  FONTES DE DISCOGRAFIA: pt.wikipedia.org

Meus 10 filmes favoritos de velho oeste

Aqui vou listar meus filmes favoritos do velho oeste. Sim, adoro esse tipo de filme. Recordo-me de assistir diversos desses filmes na rede record. Não necessariamente os que citarei, esses foram os que assisti depois de adulto, podendo assim fazer uma resenha mais precisa, menos nostálgica também. Lógico, tudo que me lembro da época que era criança eram tiros e areia, rosh. Nada muito profundo, sequer me lembro de personagens ou histórias. Contudo, o estilo faroeste, western, velho oeste ou popularmente conhecido como "bang bang" (como dizia meu avô), é um dos estilos mais legais, e muitas vezes, mais profundo. Antes algumas menções honrosas:

* O Grande Roubo do trem (1903)

A famosa cena do tiro em direção a platéia

Título original: The Great Train Robery
Direção: Edwin S.Porter
País: EUA

Embora o primeiro filme de velho oeste da história seja Kit Carson (1903), "O Grande Roubo do Trem" acaba sendo mais importante e mais lembrado. Sabendo que o mesmo ainda nem havia acabado de vez, presenciando seus últimos dias até o meio da década de 10 do século 20, temos uma pérola daqueles períodos obscuros do cinema. Em aspectos técnicos também inovou, trazendo as primeiras filmagens de áreas externas e narração mais realística que os fantasiosos filmes de George Mèlies por exemplo.

* No Tempo das Diligências (1939)

Um clássico da época mais "inocente" dos faroestes

Título Original: Stagecoach
Direção: John Ford
País: EUA

O filme que levou John Wayne ao estrelato em Hollywood. Um dos mais emblemáticos e dramáticos filmes de John  Ford, e possivelmente um de seus mais lembrados e emblemáticos filmes, ao lado de "Como era verde meu vale". A importância desse filme é inegável. As paisagens e panorâmicas de Ford, uma das características mais marcantes no visual de seu trabalho, marcam esse que é considerado um dos filmes mais importantes do faroeste clássico de Hollywood.


Agora, vamos a lista propriamente dita:

10 - Wyatt Earp (1994)

Impreciso historicamente? Talvez. Mas um ótimo filme.

Título Original: Wyatt Earp
Direção: Lawrence Kasdan
País: EUA

Ao longo dos anos foram feitos muitos filmes sobre Wyatt Earp. Ele foi uma figura "lendária" do velho oeste. Quero dizer, ele existiu, muitos o consideram um verdadeiro herói, outros o consideram um bêbado brutal e trapaceiro. A verdade é que existe um mito muito grande em torno de Earp, e durante anos tanto o mito quanto o homem foram explorados no cinema. Desde a interpretação heroica de Henry Fonda em "Paixão de Bravos" (My Darling Clementine de 1946), passando por "Sem Lei e Sem Alma" (Gunfight at the O.K. Corral de 1957). com Kirk Douglas como Doc Holliday e Burt Lancaster como Wyatt Earp, mostrando como principal evento o tiroteio de O.K. Corral, e até "Tombstone - A Justiça está chegando"  (Tombstone de 1993), com Val Kilmer como Doc e Kurt Russel como Wyatt, se baseando bastante no filme com Russel e Lancaster. Cito Doc Hollyday, pois foi um importante amigo (e personagem nos filmes) de Wyatt Earp. Enfim. Diferente dos citados, o épico "Wyatt Earp" de 1994, conta com Kevin Costner na figura do irascível xerife e Dennis Quaid como o tuberculoso e esperto Doc Hollyday. A trama gira em torno da vida de Earp, basicamente podendo ser dividido em duas partes. Os eventos antes de Dodge City e Tombstone (seu envolvimento com a lei e o tiroteio em OK.Corral) e os eventos após isso, até sua morte em meados do século XX. A carga dramática do filme é grande e as cenas de ação são fantásticas. Não é um filme totalmente fiel ao verdadeiro Earp, sabe-se que ele nunca foi o grande herói que a história norte-americana tenta retratar, tão pouco foi um simples bruto. Foi um homem comum, com defeitos e qualidades inerentes a qualquer outro ser humano. Contudo, ficamos admirados com a interpretação contida, porém genuína de Costner. Quaid dá um show a parte como o tuberculoso doutor pistoleiro Doc Hollyday, sendo um personagem tão, ou até mesmo mais, interessante que o próprio Earp. Confiram quando puderem.

9 - Bravura Indomita  (2010)

O "Marshall" Rooster Cogburn

Título Original: True Grit
Direção: Joel e Ethan Coen
País: EUA

Obra de adaptação do livro "True Grit" do escritor Charles Portis. Adaptado anteriormente em 1969, com John Wayne no papel do agente federal bêbado e truculento, Rooster Cogburn. Apesar do filme original ser um grande filme de faroeste, aos moldes clássicos de Hollywood, e ser o único oscar da carreira de Wayne (na verdade, seria mais um presente da academia, visto que o próprio Wayne não achou justo ganhar o oscar naquele ano, sabendo que outros atores o superaram em outros filmes, mas isso não vem ao caso), é como se o personagem do mesmo fosse uma amalgama satírica de todos seus personagens anteriores. E, na minha opinião, esse é o ponto mais interessante do filme de 1969. Em geral o filme é um faroeste de sessão da tarde. Parado, inocente, superficial. Só esquenta mesmo na meia hora final (a primeira vez que assisti, depois de ter visto a adaptação dos irmãos Coen, só consegui assistir a primeira hora de filme, a hora restante tive que assistir no outro dia). Mas chega de falar do filme de 1969. A adaptação dos irmãos Coen (Fargo - Uma comédia de erros, Onde os fracos não tem vez, Arizona Nunca Mais, O Grande Lebowski e outros filmes, que demonstram o talento dos irmãos, tanto como roteiristas tanto como diretores) é sombria, é violenta e é maravilhosa. Trás a tona um brilho sinistro e desesperador que faltava no original. A atuação de Jeff Bridges como Rooster Cogburn é impecável. Muito mais sujo, bêbado e visceral que John Wayne. Hailee Steinfeld, interpreta a "heroína", de apenas 14 anos, da história, Mattie Ross. E que interpretação. Muito mais convincente que a bobinha, ingenua e superficial Kim Darby do filme de 1969. O papel do Texas Ranger, novato e atrapalhado, La Boufe (se fala "La Beffe", segundo o próprio) de Matt Damon, também dá uma surra bem dada no ator do filme anterior, Glenn Campbell, que se daria muito melhor como cantor de folk e country do que como ator.
A história gira em torno da busca de vingança de Matie Ross contra Tom Chaney (Josh Brolyn), um bêbado safado que matou seu pai. Ela contrata Cogburn (em sua primeira cena está numa latrina, gritando que seu intestino está desarranjado) para fazer o serviço. Daí para frente temos um faroeste soturno (e alguns momentos cômicos) sobre uma perseguição. O roteiro propõe debates sobre questões éticas e morais do personagem Rooster Cogburn, assim como até que ponto pode ir uma vingança, que ponto vale a pena arriscar a própria vida e se vingança é justiça. Lógico, não é nada aprofundado, como em outros filmes (que irei citar mais adiante), contudo é um filme que tem potencial para atingir o status de clássico.

8 - Matar ou morrer  (1952)

Faroeste tenso; Esse é "High Noon"

Título Original: High Noon
Direção: Fred Zinnemann
País: EUA

O ator Gary Cooper já era um veterano do cinema, prolifico e polivalente, lembrado por atuações que vão do western a dramas, filmes de guerra e comédias, quando protagonizou este clássico do western. Um filme psicológico. Começa com o dia do casamento do personagem de Gary Cooper, Will Kane. Ele descobre que Frank Miller (Ian MacDonald), um bandido que ele prendeu, está solto e jurou se vingar. E vai chegar com seu bando para matá-lo no trem do meio dia. O Filme começa por volta das 10:30h, e se passa em tempo real. A tensão crescente e o comportamento relutante de Kane fazem o tempo, ao paradoxalmente, passar lentamente e também muito rápido. Quero dizer, você fica tenso, vê que parece uma eternidade para o personagem, mas o filme flui que é uma beleza. Um homem que se encontra abandonado por seus amigos e colegas para enfrentar um bando sozinho. Seu comportamento, quase covarde, é muito mais realista e palatável do que o comportamento de grandes heróis do velho oeste. Sendo um dos filmes mais originais e interessantes até então feitos sobre o tema, Matar ou Morrer é uma obrigação para quem se considera fã do gênero.


7 - Por um punhado de dólares/ Por uns dólares a mais (1964/65)  *

O homem sem nome e de poucas palavras

* Parte 1 e 2 de uma trilogia

Título Original: Per un Pugno di Dollari / Per qualche dollaro in più
Direção: Sérgio Leone
País: Itália

Esses são os dois primeiros filmes de uma trilogia dirigida pelo cineasta Italiano (mestre e um dos reinventores do gênero western, Sérgio Leone). Citarei os dois filmes aqui e o terceiro, é tão mais fantástico que reservei um lugar a parte. Sem mais spoilers por enquanto. O primeiro filme apresenta o lacônico e errante homem sem nome, interpretado pelo grande e "foda" (desculpem a empolgação, sou fã desse cara) Clint Eastwood. Baseado na obra "Yojimbo" de Akira Kurosawa, há uma desconstrução do mito do velho oeste. Eastwood chega em uma cidade ao sul dos EUA (divisa com México) e praticamente "acende uma vela para Deus e outra para o Diabo". Começa a trabalhar para um grupo de bandidos e para o povo da cidade. No segundo filme Eastwood caça a recompensa por um bandido chamado El Indio. Lee Van Cleef (outro icônico ator de faroestes) interpreta o Coronel Douglas Mortmer, que também está atrás da caça. Eles decidem se unir, depois de algumas desavenças. Essa trilogia, que ficou conhecida como "trilogia dos dólares", acabou por ser uma forma de "padrão" para os filmes do Western Spaghetti, filmes de faroeste de baixo orçamento produzidos na Itália, durante a década de sessenta e setenta. Isso, além do fato de serem feitos na Itália, pela uso excessivo de violência e sangue. Não creio que seja excessivo, filmes de faroeste precisam de violência, eram tempos selvagens. Que graça tem um filme western sem um pouco de tiros e sangues? Eu digo, nenhuma.  A desconstrução do mito feito em cima do herói de atitude moral inabalável se torna, o que sempre foi, um mito mesmo. Aqui, o homem sem nome, Eastwood, é visto como uma espécie de justiceiro, um caçador de recompensas amoral, um anti-herói. Ainda que seja um homem bom (não mata sem necessidade e procura ajudar as pessoas), ele não demonstra muitos sentimentos e age de maneira agressiva, mesmo que racional e planejada. Dois clássicos que devem ser vistos com a devida emoção.

6 - O Homem que matou o facínora (1962)

Wayne descontruindo o esteriotipo que ele mesmo ajudou a construir

Título Original: The Man Who Shot Liberty Valance
Direção: John Ford
País: EUA

Na minha reles opinião esse é o segundo melhor filme de John Ford (o primeiro vem a seguir). Mas é como dizem, opinião é algo muito pessoal e subjetivo. Enfim. John Wayne (uma constante em filmes do John Ford) interpreta o homem do título, o tal cara que matou Liberty Valance, esse sendo o tal facínora do título em português. Wayne é Tom Doniphon, que mata Valance (Lee Marvin) pelas costas. Outro personagem, o advogado Ransom Stoddard (James Stewart), acaba levando a fama de ter matado um dos mais desumanos e sanguinários bandidos do velho oeste. Isso faz ele se tornar um homem reconhecido e querido por todos, ganhando prestígio na sociedade. O Filme brinca com a premissa de que a lenda é melhor que a verdade. Sendo que Stoddard vira a lenda e Doniphon é a verdade. Filmado em estúdio, acaba sendo um contraponto dramático e melancólico em relação as grandes filmagens em cenários abertos e locações externas dos clássicos de Ford.

5 - Rastros de Ódio (1956)

John Wayne na cena incial de "Rastros de ódio"

Título Original: The Searchers
Direção: John Ford
País: EUA

Acredito (minha opinião) que esse seja o filme mais interessante e "desconstrutivo", em relação a "lenda do oeste americano", de John Ford. Um dos primeiros filmes de faroeste a estabelecer temas mais sérios e complexos. Ethan Edwards (John Wayne) volta da guerra civil e se apaixona pela sua cunhada Martha (Dorothy Jordan). Em algum momento que ele sai da fazendo, seu irmão e sua mulher são mortas por índios comanches e sequestram suas duas sobrinhas. Ethan então parte em uma busca de vingança. Mais do que um enredo simples, a trama se sustenta em dois pontos. O primeiro, de aspecto mais técnico, é o uso perfeito de paisagens externas e cenários gloriosos, magníficos dos desertos do Arizona. Ford é um diretor que sabe usar esse tipo de recurso. O segundo aspecto, parte da postura do personagem de Wayne. Ele é um praticamente um psicopata homicida com um ódio racial enorme pelos índios comanches. Essa questão é tratada de modo natural, não soa forçada como em alguns filmes mais modernos. Ethan busca sua sobrinha, porém segundo outro personagem, Martin (Jeffrey Hunter), sua busca é devido ao amor que ele sentia pela cunhada, e sua real intenção (de novo, segundo Marvin, ou ao menos como ele imagina), não é resgatá-la, mas sim matá-la, pois ele acredita que ela se "contaminou" com o contato prolongado com os comanches. O filme é uma desconstrução do mito do faroeste, mostrando um anti-herói irascível, implacável e beirando o psicótico. O debate racial é o tema polêmico do filme, mesmo que não seja uma questão aberta, ele deixa isso bem claro para os que querem entender. Lógico, há temas fortes, como estupro e uma relação platônica que beira o incesto (por mais que não haja evidências concretas ou consumação do ato) e a insanidade por parte de Ethan com sua sobrinha. Isso tudo é muito controverso, porém o racismo era um tema MUITO delicado em um Estados Unidos segregado racialmente.


4 - Meu ódio será sua herança  (1969)

Os quatro cavaleiros do apocalypse (ou quase isso)

Título Original: The Wild Bunch
Direção: Sam Peckinpah
País: EUA

O Diretor Sam Peckinpah não ficou conhecido por ser um cineasta comedido ou suave. Pelo contrário. Ele é visceral, chocante e bruto em sua direção. Filmes que seguiram "Meu ódio será sua herança", deixam isso bem claro (vide "Sob o domínio do medo" ou "Tragam-me a cabeça de Alfredo Guarcia"). Nesse western temos uma visão aterradora e uma sensação de "futuro incerto" para o estilo de vida dos pistoleiros e foras da lei do velho oeste. Uma sensação de "querer voltar no tempo", também toma conta de nós quando o assistimos. Querer reparar os erros, mas sem se arrepender de quem foi ou do que fez, praticamente uma versão cinematográfica cheia de tiros, sangue e ´ódio da famosa canção, eternizada por Frank Sinatra, "My Way". Salvo as proporções, obviamente. Mas enfim. A história se passa em 1913, final do período conhecido como "Velho Oeste". Com a chegada de adventos como o carro e a luz elétrica, o estilo de vida tradicional dos cowboys e foras-da-lei se torna estranho e obsoleto. Isso é o que o grupo de protagonistas do filme sente na pele. Robert Ryan interpreta Derek Thornton, amigo (ou "ex-amigo", se é que isso existe) e ex-comparsa de Pike Bishop (William Holden), que o persegue por causa de um assalto mal sucedido no inicio do filme. Pike Bishop conta com a ajuda de seu bando de seguidores. Em meio a perseguição acabam indo parar no México. Lá percebem que, muitas vezes, um governo dito "legítimo" pode cometer atrocidades piores do que a do mais terrível criminoso. O desfecho do filme é uma orgião de destruição em massa, com tiros de gatling gun e o bando de 4 homens (spoiler) morrendo, porém levando juntos um verdadeiro exército mexicano, tudo em vingança pela morte de um dos amigos. Um filme violento? Sim. Violência gratuita? Não. É necessária par ao desenvolvimento do ótimo (porém simples) enredo sobre redenção e honra perante a morte iminente. 

3 - Três Homens em Conflito * (1966)
* Terceira parte da trilogia dos dólares

O bom, o mal e o feio

Título Original: Il Buono, Il Bruto, Il Cattivo)
Direção: Sérgio Leone
País: Itália/Espanha

Agora vai ficar tenebroso o negócio. Daqui em diante são três filmes que considero os melhores faroestes já filmados. Dois do mesmo diretor. Vão além de serem simples filmes de faroeste. São obras atemporais, que mesclam alegorias políticas e criticas sociais com muito sangue, vingança e destruição. O filme "Três homens em Conflito" do diretor Sérgio Leone, fecha a trilogia dos dólares. Mas ele é tão mais profundo, tão mais visceral, tão mais emocionante e épico que os dois anteriores, que achei MUITO injusto citá-lo junto aos anteriores. Não necessariamente é uma trilogia que tenha uma ligação histórica. A única coisa que conecta os três é o fato do mesmo personagem lacônico e sem nome, ser interpretado pelo cativante Clint Eastwood (o "bom" do título em italiano, mesmo que essas pré-definições sejam superficiais). Se for exatamente o mesmo personagem (o que é questionável), podemos inferir que esse filme se passa antes dos dois anteriores da trilogia, visto que apenas no final da película que Eastwood encontra seu famoso Poncho, junto ao cadáver de um militar da guerra civil norte-americana. A trama se inicia em algum momento da guerra civil, entre 1861 e 1865. Lee Van Cleef (interpretando o "bruto" ou "mal" do título), é um caçador de recompensas e oficial do exército confederado, que é chamado somente de "Olhos de Anjo". Ele é um "agente duplo". Mata tanto o alvo que foi contratado para matar, quanto o mandante do crime. Ao mesmo tempo Eastwood trabalha junto com o ator Eli Wallach, que faz o personagem Tuco. São dois trambiqueiros fora-da-lei. Tuco é o tal "cativo" (ou feio, no título em inglês) do título, um mexicano fora-da-lei que é procurado em diversos estados. Tuco comumente chama o homem sem nome de loirinho. Eles tem o seguinte esquema. Loirinho leva Tuco como prisioneiro até alguma cidade que ofereça recompensa pelo mesmo. Recebe o dinheiro e vai embora. Entretanto, ele se esconde atrás de alguma pedra ou algo do tipo e atira na corda que irão usar para enforcar Tuco. Não antes de mandar um cavalo ao resgate de Tuco. Tudo muito bem sincronizado. Assim eles dividem a recompensa e fazem o plano novamente em outra cidade. Descobrem, no entanto, que existe um tesouro confederado escondido em um cemitério. Loirinho trai tuco, que trai loirinho, depois se unem novamente, depois acabam por ser presos pelo olhos e anjo e a história segue. Uma velocidade boa para os diversos acontecimentos do filme. Mas a parte mais gratificante, e com certeza a mais famosa, do filme é a cena do duelo (ou trielo) triplo entre Loirinho, Tuco e Olhos de Anjo. Uma cena muito tensa e envolvente, com closes extremos nas faces e olhos dos três homens em conflito. A trilha sonora do mestre Ennio Morricone só aumenta a tensão e suspense do que vai acontecer. Um filme no qual a história, apesar de boa e bem construída, não é tão importante quanto a construção dos personagens e a tensão crescente na busca pelo ouro confederado. A trama política (guerra da secessão) não é algo explorado de modo profundo, serve mais como apenas uma contextualização histórica. Mas devido ao seu carisma emocional e a tensão absurda que Leone trouxe para a tela, faz com que "Três homens em conflito" seja um dos melhores faroestes já produzidos.

2 - Era Uma vez no Oeste (1968)

Bronson prestes a eliminar três pobres diabos

Título Original: C'era una volta il West
Direção: Sérgio Leone
País: Itália/EUA

O primeiro filme de uma nova trilogia de Sérgio Leone, seguido por "Giù la testa" (ou "A Fistful of Dynamite", ou ainda "Once Upon a Time... The Revolution" ou até "Quando explode a vingança") de 1971 e "Once upon a time in America" (Era uma vez na América) de 1984. O primeiro filme de faroeste que tem uma trama verdadeiramente envolvendo política e economia como mote para assassinatos que geram parte da trama da película. O começo do filme é uma cena muito pacata. Três homens mal encarados estão numa estação de trem. Um mosquito e uma goteira os perturbam enquanto esperam a chegada do trem. Durante alguns minutos acompanhamos a crescente cena, que é ao mesmo tempo que parece ser maçante é também muito tensa, talvez devido a longa espera pelo trem, sentimos o mesmo desconforto que os tais homens. Depois de alguns minutos chega o trem. Desce um ainda jovem, com poucas rugas e sem bigode, Charles Bronson. Ele apenas pergunta: Onde está o Frank? E começa um tiroteio. Apenas Bronson permanece vivo. Ele pega suas coisas e caminha. Logo o filme se move para um pai acompanhando seu pequeno filho em uma caçada. Eles voltam para casa e nos é revelado que a nova esposa do homem vai chegar, enquanto sua filha e os outros filhos estão arrumando uma mesa para um possível banquete. Do horizonte chegam alguns homens que matam a família. Apenas o menino mais jovem sobrevive, infelizmente por pouco tempo. Leva um tiro na cara do temível, cruel e implacável assassino Frank (interpretado por Henry Fonda, em um papel totalmente oposto aos heróis de seus antigos filmes). Descobrimos que esse assassinato foi feito para impedir que o dono da propriedade construísse uma estação de trem. A linha ferrea estava chegando na região e lá era o único lugar com fonte de água potável em quilômetros. Isso o tornaria um homem rico. Morton, (Gabrielle Ferzetti) um magnata das ferrovias, é o mandante do crime. Isso é uma sub-trama política que Leone usou para dar mais embasamento a seu trabalho, o que funciona muito bem, visto que em uma terra sem lei (ou quase sem lei) a bala é a lei. Bronson faz o papel de Harmonica, (Gaita em inglês), conhecido assim porque anda sempre tocando uma gaita. Seu papel é taciturno, e representa uma continuação espiritual do mesmo personagem sem nome de Clint Eastwood. Características parecidas, porém personagens diferentes. Ele conhece Chayenne (Jason Robards), um líder de um bando de ladrões. Chayenne é confundido, deliberadamente, como o autor do crime, pois Frank usou um sobretudo que apenas os membros da gang de Chayenne usariam. Descobrimos, principalmente em diálogos com Jill McBain (Claudia Cardinale), então futura esposa e atual viúva de Brett McBain (Frank Wolff),  é na verdade um bom homem, com princípios morais particulares, mas endurecido por sua vida. Nada muito aprofundado, mas dá para inferir sobre sua vida, através dos diálogos. A história se desenrola de maneira muito natural e criativa. Em certos momentos não sabemos realmente quem é o real vilão e quem é o herói. Claro, há uma ténue linha que impede sentirmos qualquer sentimento bom por Frank, exceto um pouquinho de carisma em alguns poucos momentos, mas no restante sentimos um pouco de raiva de seu comportamento. Harmonica demonstra ser um personagem além do lacônico lobo solitário. Sua motivação não é puramente uma mistura de vago altruísmo e cobiça, como o personagem sem nome de Eastwood, mas sim um espirito movido por vingança, sem ganancia nenhuma pelo ouro. Por mais que seja um personagem pouco expressivo, e muitas vezes nos questionemos se é o "protagonista" da trama, é com certeza o fio que liga todos os eventos e transforma esse western em um dos maiores clássicos atemporais do gênero  Uma atuação contida, sincera e, dentro dos limites do ator Charles Bronson, impecável e maravilhosa. Mais profunda do que podemos imaginar apenas em uma pequena "olhada" nesse filme, ou em comparação a outros personagens mais "tradicionais" do mesmo.

1 - Os Imperdoáveis  (1992)

O Melhor faroeste

Título Original: Unforgiven
Direção: Clint Eastwood
País: EUA

Eis o melhor faroeste já feito. E acredito que muitos concordarão comigo. O roteiro desse filem já existia a muito tempo, porém apenas Eastwood teve (assim como a espada justiceira deu ao Lion, em Thundercats) a visão além do alcance, (ossa, desculpem a péssima piada, juro que vou melhorar) e resolveu transformar em filme. Uma completa destruição e reconstrução do mito norte-americano do velho oeste. Já vimos filmes assim, mas nenhum como esse. Não há heróis altivos, mulheres lindas, vilões cruéis ou pessoas completamente boas ou ruins. São humanos, em sua plena e completa imperfeição. Eastwood interpreta William Munny, um ex-pistoleiro bêbado e matador que foi "reformado" pelo amor de sua falecida esposa. Agora ele vive em uma fazenda isolada, cuidando de seus filhos, apenas querendo paz. Quando uma prostituta tem sua face dilacerada por um cliente, pois ela riu do tamanho...digamos, do tamanho da pistola do pistoleiro, as outras prostitutas exigem que o xerife Little Bill (Gene Hackman em atuação fantástica) faça alguma coisa. Bill se sente coagido pelas meretrizes, porém não quer tomar atitudes drásticas, pois acredita que esses pistoleiros são homens que podem trazer dinheiro para sua cidade (Olha a política aí). As prostituas então decidem juntar suas economias e oferecer uma recompensa para quem matar o pistoleiro. Schofield Kid (papel de James Woolvett) vai atrás de William Munch, pedindo ajuda. Relutante, ele aceita, apenas se puder levar seu ex-parceiro junto, Ned Logan (numa ótima atuação de Morgan Freeman). Mais do que o dinheiro, para poder sustentar suas respectivas famílias, eles buscam manter sua humanidade ajudando as prostitutas. Enquanto isso, Richard Harris interpreta o pistoleiro English Bob, acompanhado de seu jornalista contratado, que está escrevendo um livro intitulado "The Duke of Death" (O Duque da morte), no qual narra as matanças e terríveis atrocidades de English Bob como histórias épicas de um herói renegado, uma clara alusão aos antigos filmes de "bang bang" que reinventavam a verdadeira cara do meio-oeste norte-americano. English Bob quer a recompensa pela cabeça do pistoleiro que mutilou a prostituta, porém Little Bill não aceitará isso. E a história se segue. Em muitos momentos William Munch (o personagem de Eastwood começa contido, no final se tornando um explosivo, e aguardado, amálgama de todos os pistoleiros lacônicos que fez no passado) diz que seu comportamento violento do passado era por causa da bebida, e se mantem como um fiasco para seu "discípulo", Schofield Kid. A verdade é que os personagens são homens, que sentem medo, dor, ódio, alegria, amor e remorso, esse último sentimento é descrito por W.Munch quando Kid pergunta "como é matar um homem". Hackman ganhou o oscar de ator coadjuvante, Eastwood ganhou seus primeiros dois oscars como cineasta (por melhor diretor e melhor filme). Mostrando de vez que Eastwood traria muito orgulho a seus mentores, Sérgio Leone e Don Siegel, os quais são homenageados nos créditos finais.


Enfim, esses são os filmes de faroeste mais impressionantes entre os que eu assisti, e olha que não foram poucos. Muitos vão gostar, outros nem tanto, alguns até odiarão. Mas fazer o que, não se pode agradar a todos. E lembrem-se, isso não represente uma verdade absoluta, ao contrário de outros críticos de cinema (ou música ou qualquer outro tipo de arte), não quero propor "verdades", apenas estou tecendo meus comentários sobre determinadas obras que considero pertinentes. Um abraço e vão assistir os filmes indicados. Vale a pena.

10 filmes que você deveria ver

10 filmes que você deveria ver, mas que provavelmente não vai assistir só porque eu falei, ou talvez não...vai saber...

       Os filmes que irei citar aqui são obras cinematográficas que provavelmente você até deve ter ouvido falar, conhece alguém que assistiu, ou então, se for apenas um "assistidor de blockbusters" nunca deve ter ouvida falar de nenhum. São aqueles filmes que são bons, alguns geniais, mas que você provavelmente nunca irá assistir, porque tem preguiça de procurar ou simplesmente por achar que "filmes bons são filmes famosos". Besteiras a parte, existe muito "lixo cult", assim como "lixo mainstream". Contudo eu prefiro os bons filmes, sejam independentes, cults, blockbusters, o escambau. Mas chega de lenga lenga, vamos lá:

Ordem cronológica:

10 - O Nascimento de uma nação

País: EUA
Direção: D.W. Griffith
Ano: 1915

       Filme polêmico, mesmo em sua época, gerou diversos protestos de organizações ligadas as pessoas negras. O filme é um épico (mais de 3 horas) mudo e P&B, dividido em duas partes. Inspirado na obra de Thomas Dixon, "The Clansman: An Historical Romance of the Klu Klux Klan", é uma livro (e um filme) com certo teor racista (eu diria ALTO TEOR racista). A primeira parte retrata o período pré-Guerra Civil, no qual duas famílias, uma do norte e outra do sul, contam a história da película. Os esteriótipos raciais são muito explorados. A segunda parte mostra a ascensão da KKK (Klu Klux Klan), que são apresentados como "heróis". Apesar da melhor obra de Griffith ser "Intolerância", filme de 1916, que tem uma história muito menos controversa, mas com conteúdo interessante, reflexivo, o filme "O Nascimento de uma nação" é uma marca em questões técnicas e narrativas. Tirando a temática de caráter duvidoso, deve-se olhar como uma obra a frente (ou atrasada, depende do ponto de vista) de seu tempo...  (E deixo bem claro, sou contra o tema do filme, não me venham com churumelas, rsss)

9 - O Gabinete do Dr.Caligari

País: Alemanha
Direção: Robert Weine
Ano: 1919

        Esse é um filme que influenciou quase uma década de produção alemã. Um dos pontapés iniciais do movimento expressionista alemão na sétima arte. Quanto a qualidade técnica não há grandes inovações. Uma câmera fixa. O que o filme trás de novo é a influência da estética expressionista. Locações fechadas de estúdio, sombras deformadas e cenários totalmente distorcidos, causando grande sensação de claustrofobia e desconforto. Filmes que se seguiriam depois, como "Nosferatu - Uma sinfonia de horror" (1922), "A Carruagem Fantasma" (1921) entre outros, mostrariam grandes influencias dessa estética estranhamente bizarra. A história envolve o charlatão hipnotizador Dr.Caligari e seu sonambulo e catatônico Cesare. Caligari o usa para cometer diversos crimes. Em determinado momento descobrimos que o Caligari era na verdade um diretor de hospício que havia ficado louco. O que acontece é que há um filme dentro de um filme. Um clássico que muita gente torce o nariz por ser P&B, mudo e estranho. Mas isso não tira o fato de ser um clássico.

8 - Metrópolis

País: Alemanha
Direação: Fritz Lang
Ano: 1927

       Outro filme mudo que mudou a cara do cinema. Não é o primeiro filme de ficção cientifica, visto que talvez um dos primeiros filmes sobre o tema seja a obra, "Viagem à Lua" (1902) de George Méllies. Contudo, Metrópolis é um dos filmes mais aclamados do diretor Fritz Lang, da Alemanha e também da ficção-cientifica e até mesmo do cinema em geral. A história distópica de um futuro controlado por poucos, uma sociedade dividida em castas é algo muito explorado. Diversos autores, Aldoux Huxley, George Orwell, Philip K. Dick, entre outros, já falaram sobre o tema (entretanto a maioria depois de Fritz Lang), porém no cinema foi algo novo. O filho do mestre de Metrópolis descobre o que acontece na cidade, a miséria dos trabalhadores. Se une a Maria, uma das líderes dos trabalhadores da baixa cidade. Enquanto isso um dos engenheiros do mestre de Metrópolis cria um robô com feições femininas. Ele substitui Maria e começa, ao invés de incitar os trabalhadores a lutarem por seus direitos, a agir de maneira estranha. Primeiro dança sensualmente em um clube decadente e depois incita uma rebelião de grandes proporções. Um filme que sofreu muito com o tempo, cópias perdidas, cortes das edições originais, remasterizações de qualidade duvidosa... Mas enfim, um eterno clássico.

7 - Sindicato de Ladrões

País: EUA
Direção: Elia Kazan
Ano: 1954

Eis um filme que não assisti por completo. De seus 108 min. (aproximadamente 1 hora e 48 minutos) devo ter visto pouco mais de uma hora, mas não por ser um filme cansativo ou tão pouco ruim. Apenas por falta de tempo e descaso. Confesso, burrice minha. Pretendo terminar de assisti-lo ainda. O que me lembro é o seguinte. A história gira em torno do personagem de Marlon Brando, um ex-pugilista fracassado, chamado Terry Malloy, que se torna "garoto de recados" de um dos grandes chefões sindicais da máfia. O filme mostra a estrutura complexa de poder e corrupção dos sindicatos sob o controle mafioso. Malloy participa involuntariamente de um assassinato de um homem honesto (que dedurou os sindicatos para a polícia). Isso o atormenta, e tudo fica pior quando ele se apaixona pela irmã do falecido. As coisas se desenrolam de forma que Malloy entra em um conflito moral. A partir desse ponto filme começa a ficar cada vez mais interessante e reflexivo. Necessito assistir por completo essa obra, recomendo para todos.

6 - O Sétimo Selo

País: Suécia
Direção: Ingmar Bergman
Ano: 1957

         Ingmar Bergman foi um dos responsáveis pelo "renascimento" do cinema nórdico. No começo do cinema esses países (Suécia, Dinamarca, Finlândia e Noruega) ditos nórdicos foram responsáveis por grande quantidade (e qualidade) de produções cinematográficas. Contudo, após a ascensão de Hollywood e principalmente após as duas grandes guerras, o foco da produção de filmes se direcionou para os EUA, deixando quase isolados países como esses e suas produções diferenciadas. Max Von Sydow interpreta Antonius Block, um cruzado que retorna 10 anos após uma cruzada sangrenta e tenebrosa. Sua fé em Deus está abalada ao ponto dele considerar repugnante a idéia de acreditar em Deus. Durante o filme Block encontra a morte e jogam xadrez. A partida não reflete apenas a vida de Block, porém também sua fé na religião e na humanidade. A engenhosidade do enredo, a melancolia, e em alguns momentos o humor, fizeram com que, além de ser considerado um dos filmes mais espetaculares do cinema mundial, fosse amplamente influente e até mesmo satirizado. Quem não lembra da cena do filme Bill e Tedd, no qual a morte joga Twister pela vida dos dois estúpidos, porém bem intencionados, juvenis.

5 - A Marca da Maldade

País: EUA
Direção: Orson Welles
Ano: 1958

        Muitos consideram "Cidadão Kane" (1941), a maior obra do diretor, ator, roteirista, produtor e radialista, Orson Welles. Eu acho isso uma tremenda besteira. Quanto mais dizer que Cidadão Kane é o melhor filme já feito, assim como dizem diversas revistas e críticos, altamente questionáveis. Sim, é um ótimo filme. Importante, principalmente em termos técnicos e narrativos, apresentou técnicas de profundidade e enquadramento e aperfeiçoou outras diversas formas de se mover a câmera e fazer arte. Contudo é um exagero dizer que é o melhor filme, tanto porque "A Marca da Maldade" pode ser considerado o melhor filme de Welles.
Quando pegou o roteiro em mãos viu que era uma porcaria e tratou de reescreve-lo. Tornou um filminho b policial em uma das grandes obras do cinema. A história gira em torno do personagem de Charlton Heston, Miguel "Mike" Vargas que se vê envolto em uma trama de corrupção. Welles interpreta o chefe de polícia Quinlan em uma atuação icônica e monstruosamente sádica. Mais um clássico que ficou ofuscado pela mídia babaca e pelos neófitos de plantão.

4 - Dr.Fantástico ou como aprendi a parar de me preocupar e amar a bomba

País: Inglaterra
Direção: Stanley Kubrick
Ano: 1964

        Em pleno período de maior paranoia da guerra fria, o medo que o ocidente tinha de uma ameça nuclear e da "ameaça" comunista, beirava a loucura. Kubrick sabia disso e decidiu transformar a obra "séria" de Peter George (Red Alert nos EUA e Two hours to Doom na Inglaterra), um oficial da Força Aérea Britânica, em uma brilhante e ácida comédia de humor negro. Com Peter Selles (o eterno Inspetor Closeau de "A Pantera Cor-de-Rosa) fazendo três papéis distintos: O oficial da RAF Lionel Mandrake, o presidente dos EUA Merkin Muffley e o próprio Dr.Fantástico. A ousadia e a perspicácia de Kubrick, além do talento nato de Sellers, fazem essa obra se tornar atemporal (raro para um filme com o tema da guerra fria) e perfeita.  Milhões de anos luz a frente de obras importantes sobre o mesmo tema, é um filme peculiar que não é para qualquer um. A cena mais famosa do filme é com certeza a do ator Slim Pickens no papel do Major T.J. "King" Kong, montado na bomba atômica, gritando e cavalgando como se fosse um cavalo ou touro de rodeio.

3 - Chinatown

País: EUA
Direção: Roman Polanski
Ano: 1974

Um drama policial Noir sobre uma grande rede de corrupção em Los Angeles. Jack Nicholson interpreta um detetive que foi policial em Chinatown e se vê envolto em uma misteriosa conspiração. Ao mesmo tempo que mescla a corrupção e tramas políticas com infidelidade e ambiguidade moral, Chinatown apresenta um estudo curioso sobre a Los Angeles da década de 30. Isso fica evidente na trama referente a personagem da atriz Faye Dunaway (Sr,Mulwray). Aparece (com oura atriz representando seu papel) no escritório de Jake Gittes (personagem de Nicholson) pedindo para que ele comprove as traições do marido. Depois de comprovado e encerrado o caso, a verdadeira senhora Mulwray aparece e decide processar Gittes, alegando que nunca o procurou. Logo em seguida seu marido aparece morto e Nicholson descobre um engenhoso esquema de corrupção. A trama segue cheia de reviravoltas. Os temas complexos vão da já citada corrupção até mesmo o incesto. O final catastrófico apenas aumenta a sensação de ambiguidade desse quebra-cabeças cinematográfico e a falta de possibilidade perante a um jogo de poder.

2 - Quadrilha de Sádicos

País: EUA
Direção: Wes Craven
Ano: 1977

          Um dos melhores filmes de terror e, na minha opinião, o melhor filme do diretor Wes Craven. Antes de se tornar conhecido pelo sucesso dos ótimos (e mais futuramente não mais que medianos) filmes da série "A Hora do Pesadelo" e a trilogia "Pânico", Craven lança essa pérola de baixo orçamento, mas muita espirituosidade mórbida. Um estudo interessante sobre racismo, preconceito e intolerância disfarçado de terror e filme de estrada. Uma família de classe média vai de carro para Los Angeles, mas resolve parar no meio do caminho para ver uma mina de prata que foi dada de herança. Não sabem que naquele lugar vive uma família formada por "aberrações" (representando as minorias oprimidas) lideradas pelo mutante conhecido como Júpiter. Esses "mutantes guerrilheiros canibais" sobrevivem de pequenos roubos, dispondo de qualquer instrumento ou arma encontrados pelo caminho. A arrogância da família que vai para Las Vegas é representação da soberba da burguesia e da classe média (assim como da elite dominant... ah chega desse papo pseudo-marxista, kkkk) , tornando-os alvos para a família de canibais sádicos. O filme é repleto de tensão. Não encontrarão uma pérola assim em meio a um mar de mesmice que é o gênero terror, principalmente entre os filmes "slasher" da década de oitenta em diante.




1 - Brasil, O Filme 

País: Inglaterra
Direção: Terry Gilliam
Ano: 1985

          Terry Gilliam é um dos membros do Monty Python. Não costumava a aparecer em cena, mas era um dos diretores, um dos escritores e o cartunista da turma. Durante a década de oitenta ele decidiu investir bastante na direção de filmes versáteis e reflexivos, mas sem deixar de lado seu talento natural, a comédia crítica e cartunesca. A história por si só é bizarra, porém com reflexões interessantes (mesmo que fantasiosas) sobre vertentes políticas. Assim como no livro "1984" de George Orwell (inclusive obra que influenciou muito a criação do filme "Brasil"), há um estado destópico altamente burocrata e paranoico. Uma mistura de fascismo com burocracia britânica e paranoia norte-americana do macartismo. Mas ao contrário da obra de Orwell, no qual o sistema bruto e opressor, funciona como um relógio suíço, a obra de Gilliam mostra o "status quo" como um grupo de "desordenados burocratas paranoicos estúpidos e ignorantes", sendo que logo no começo do filme cai um inseto na impressora e um mandato de prisão para o terrorista Tuttle (interpretado por Robert DeNiro) se transforma em um mandato de prisão para o inofensivo senhor Buttle (Brian Miller). A partir daí o personagem principal, Sam Lowry (Jonathan Pryce), funcionário de nível médio do governo, se vê envolto em uma trama complexa que o leva a se envolver com um grupo dissidente. Ele só consegue escapar da realidade em seus sonhos e fantasias. Na sua imaginação se torna um cavaleiro alado, com uma poderosa espada destruindo monstros e salvando sua amada donzela. Realmente é uma obra fantástica, repleta de criticas políticas e sociais ácidas, disfarçadas de humor, com gags inteligentes, mas que algumas vezes beiram o deboche total, o pastelão e o non-sense.



    Bom gente, uma consideração final.
Existem diversos filmes que eu gostaria de colocar aqui. Contudo os filmes que citei (esse tal, "top 10") são obras considero (ao menos é como vejo por aí), mais "citadas" ou "faladas", do que realmente assistidas, interpretadas e compreendidas, e que, de certa forma, foram relevantes para a produção cinematográfica mundial.
Bom, é isso. Até a próxima.